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„Ich fühle mich wie ein Schachspieler“, sagt der chinesische Avantgarde-Künstler und politische Aktivist Ai Weiwei, „mein Gegner macht eine Bewegung, und dann mache ich die nächste.“ Er boykottierte 2008 die Olympischen Spiele in Peking, als er erkannte, dass sie als Parteipropaganda missbraucht werden sollten. Als die Behörden das Erdbeben in der Provinz Sichuan zu vertuschen suchten, recherchierte er die Namen jener mehr als 5.000 Kinder, die in den Trümmern der nachlässig gebauten Schulen umgekommen waren. Ai Weiwei macht seinen Widerstand gegen das Verschweigen und Verdrängen stets öffentlich. Seine Auftritte im Internet, die ungeschminkten Wahrheiten in seinem Blog führen regelmäßig zu polizeilichen Schikanen. Doch er gibt nicht auf: Staatliche Verfolger und Bewacher werden von ihm mit der Videokamera dokumentiert und wiederum ins Netz gestellt. Fast wie nebenbei bereitet er Ausstellungen vor und pflegt enge Beziehungen zu seiner Familie. Drei Jahre lang begleitete Alison Klayman den weltweit gefeierten Aktivisten. Aus Hunderten Stunden Material montierte sie das erste abendfüllende Filmporträt über ihn: eine differenzierte Beschreibung heutiger chinesischer Zustände zwischen Willkür und Widerstand. (Berlinale Special)

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„100 Pictures Of Ugandan Homos“, titelte 2010 die ugandische Tageszeitung „Rolling Stone“. „Hang Them“, forderte sie unmissverständlich in einer Schlagzeile auf, direkt neben dem Foto von Ugandas bekanntestem offen schwulen Mann: dem Aktivisten David Kato. Wenige Monate später hatten zwei Männer dem Aufruf Folge geleistet und Kato mit einem Hammer erschlagen. Für die US-Dokumentarfilmerinnen Katherine Fairfax Wright und Malika Zouhali- Worrall war David Kato ein entscheidender Interviewpartner für ihren Film Call Me Kuchu, seine Ermordung am Ende der Dreharbeiten ließ alle Befürchtungen Wirklichkeit werden. Die Filmaufnahmen wurden so zu Katos politischem Testament. Call Me Kuchu, bereits auf vielen Festivals ausgezeichnet, darf man getrost jetzt schon als eine der wichtigsten queeren Dokumentationen dieses Jahrzehnts bezeichnen. Im Laufe ihrer intensiven Recherchen haben die beiden Regisseurinnen dramatische und kraftvolle Bilder vom Leben wie vom Kampf der Lesbenund Schwulenszene Ugandas gegen Ausgrenzung und Verfolgung eingefangen, die man so schnell nicht vergessen wird – weder den unglaublichen Mut und die trotzige Lebensfreude der Aktivist_innen noch die Fassungslosigkeit angesichts des Hasses, der ihnen offen entgegenschlägt. (as, Lesbisch Schwule Filmtage Hamburg)

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Musiker aus Afrika, Russland, vom Balkan und aus dem Iran sind seit Mai 2012 gemeinsam mit Heinz Ratz und der Band Strom und Wasser auf Tournee. Das Besondere an dem Projekt: Einige der Musiker sind Asylsuchende in Deutschland. Wir begleiten sie auf ihrer ungewöhnlichen Konzertreise. Jugendliche Rapper treffen auf einen Jazz-Pianisten, ein Reggae- Sänger auf einen deutschen Liedermacher, afrikanische Percussionisten auf eine Beatboxerin mit griechischen Wurzeln. Der Film zeigt den Prozess der Annäherung: Falsche Töne und harmonisches Zusammenspiel, Lampenfieber und Erleichterung, leere Säle und donnernden Applaus. Für einige Bandmitglieder bedeutet die Tour eine Gratwanderung zwischen zwei Extremen. Abends stehen sie auf der Bühne im Rampenlicht, am nächsten Morgen kehren sie zurück in die Isolation des Flüchtlingsalltags. Sie leben mit vielen Menschen auf engem Raum, haben keine Möglichkeit zu üben oder ihr Instrument zu spielen, sind von Abschiebung bedroht und haben traumatische Erfahrungen auf der Flucht gemacht. Ihr Aufenthaltsstatus ist unsicher, die Zukunft mehr als ungewiss. Ihre Unterkünfte liegen oft abgelegen am Rande der Städte und sie dürfen sich nicht ohne Erlaubnis frei innerhalb Deutschlands bewegen. Die Band bietet die Chance, diese Isolation zu durchbrechen. Der Film macht die Lebensbedingungen für Asylbewerber sichtbar ohne die Protagonisten zu Opfern unseres Mitgefühls zu degradieren. Sie bleiben starke Persönlichkeiten, die mit ihrer Musik.

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„Sie sind immer noch ein Tabuthema. Fast 65 Jahre mussten vergehen, bis Österreich 2009 die NS-Urteile endlich aufhob und die Wehrmachtsdeserteure rehabilitierte. Der Film spielt im Jahr 1946/47: Hungerwinter im Salzburger Land. Gezeichnet von traumatischen Kriegserlebnissen und konfrontiert mit gesellschaftlicher Ausgrenzung weihen uns vier junge Deserteure – der Koch, der Bauer, der Ministrant und der Schweinemeister – in die Gründe ihrer Fahnenflucht ein. Durch ihre gelungene Gratwanderung zwischen Spielfilm und Dokumentation eröffnet Gabriele Neudecker berührende Einblicke auf die vergessenen Opfer des Nationalsozialismus und ihre Ausgrenzung nach dem Krieg.“ (Ludwig Sporrer, DokFest München 2013) Gedreht wurde in Salzburg und Oberösterreich mit vier jungen Salzburger Laiendarstellern aus der kleinen Gemeinde Köstendorf in den Hauptrollen. Der auf wahren Schicksalen und vielen Interviews mit Zeitzeugen basierende Film greift ein letztes österreichisches Tabu-Thema auf. Erst 2009 wurden Deserteure in Österreich offiziell rehabilitiert! „Das Ergebnis ist seltsam entrückt, assoziativ und poetisch. Nie wird Archivmaterial verwendet – Regisseurin Gabriele Neudecker hält durchgehend an einer offensiv pseudodokumentarischen Machart fest. Als wäre ein Kamerateam aus dem 21. Jahrhundert in das Jahr 1946 gereist um diese vier Männer zu portraitieren. Der Film behauptet nie ‚real‘ zu sein – aber er wirkt so. Und das ist eine große Leistung.“ Ralph Glander, Bayrischer Rundfunk

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Der Schulweg der zehnjährigen Wadjda aus dem saudi-arabischen Riad führt sie an einem Spielzeuggeschäft vorbei, das ein grünes Fahrrad anbietet. Dabei schlägt ihr Herz stets höher, denn dieses Rad zu besitzen würde bedeuten, sich endlich gegen den Nachbarsjungen Abdullah durchsetzen zu können und ihm, schnell wie der Wind, davon zu flitzen. Obwohl es Mädchen untersagt ist Fahrrad zu fahren, heckt Wadjda einen Plan aus, wie sie auf dem Schulhof Geld für das Rad verdienen kann. Als Wadjdas Machenschaften auffliegen, droht ein Schulverweis und die Hoffnung auf das Geld ist dahin. Dem Mädchen bleibt nur eine Chance: Sie muss den hoch dotierten Koran-Rezitationswettbewerb der Schule gewinnen. Mit viel Eifer und Erfindungsgeist macht sie sich daran, fromm zu werden. Und so hat sie auch keine Augen für die Probleme ihrer Mutter, die mit allen Mitteln zu verhindern versucht, dass ihr Mann eine zweite Frau heiratet. Ebenso wie ihre mutige Tochter erkennt aber auch Wadjdas Mutter, dass sie letztlich auf sich allein gestellt ist und einen steinigen Weg beschreiten muss, um für sich und ihre Tochter eine selbstbestimmte, bessere Zukunft zu erkämpfen. In ihrem Spielfilmdebüt Das Mädchen Wadjda erzählt die saudiarabische Regisseurin und Drehbuchautorin Haifaa Al-Mansour die anrührend-freche Geschichte einer Zehnjährigen, die mit Mut und Witz ihre eigenen Träume entgegen strenger Konventionen zu verwirklichen weiß. Der Film zeichnet ein differenziertes und authentisches Bild vom Leben der saudischen Frauen und vermittelt eine einmalige Innenansicht der dortigen Kultur und Gesellschaft.

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Der Dokumentarfilm begleitet die drei straffällig gewordenen Jugendlichen Imo (22), Jano (17) und Marcel (25) am Tag ihrer Entlassung aus der JVA-Wriezen (Brandenburg) und in den folgenden drei Jahren. Es werden Kinder geboren, Schrankwände umgeworfen und Drogen am Alex verkauft. Dieser im wahrsten Sinne des Wortes distanzlose Dokumentarfilm zeigt das Leben aus Sicht der Jugendlichen mit all ihren Wünschen, Gedanken, Ängsten und ihrem Stolz. Beim Internationalen Studentenfilmfestival Sehsüchte wurde Nach Wriezen als Bester Dokumentarfilm über 60 Minuten ausgezeichnet. Die Jury schrieb: „Dem Regisseur Daniel Abma und seinem Team ist ein beeindruckender, spannender Film über den schwierigen Neuanfang von drei jungen Straftätern gelungen. Ohne Vorurteile nähert er sich diesen Menschen, vor denen man eigentlich Angst haben müsste und lässt uns an ihren Sorgen, Geheimnissen und Schwächen teilhaben.“ Die Jury des Wettbewerbs „Made in Berlin-Brandenburg“ des Achtung Berlin Filmfestivals lobte: „Diesen Film zu sehen, bedeutet sich mit den eigenen Klischees auseinanderzusetzen und die persönlichen Grenzen neu zu verorten. Es ist ein Film, der kontroverse Auseinandersetzungen provoziert. Er beschreibt die Vergangenheit und zeichnet ein Fragezeichen in die Zukunft. Wer den Film sieht, kann sich ihm schwer entziehen. Er muss eine eigene Haltung einnehmen.“

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Inmitten von Wäldern und ein paar Schafweiden steht ein Wohnblock auf einem ehemaligen Kasernengelände der sowjetischen Armee. Umringt von verfallenen Baracken, verrotteten Soldatenfresken, einem verwilderten Fußballplatz und einem nagelneuen Maschendrahtzaun. Hier wachsen die Kinder Aya, Momo und Mustafa auf. Abgeschottet vom Rest der Welt verbringen sie die Sommerferien in ihrem zu Hause, einem Asylbewerberheim. Scheinbar auf sich alleingestellt vertreiben sie die schier unendlich wirkende Zeit mit Streifzügen durch das hohe Gras, einem Ausflug zum See, dem Sammeln von Kupferschrott, den sie zu Geld machen wollen um ihr spärliches Taschengeld aufzubessern. Oder sie spielen mal „ganz normale Menschen“ oder „Wann kommst du mal wieder ins Heim?“ Vor Jahren schon sind ihre Eltern aus Kriegsgebieten geflüchtet, die meisten von ihnen sogar in Deutschland geboren. So verstehen sie das mit dem Asyl nicht wirklich und wollen eigentlich nur ganz normal sein. Konsequent aus der Perspektive der Kinder und im hellen Schwarzweiß gedreht, begleiten Anne Kodura und Friede Clausz die Kinder einen Sommer lang. „In bestechend schönen Bildern und mit den Worten von Kindern erzählt der Dokumentarfilm, wie es sich anfühlt, Flüchtling zwischen den Welten zu sein.“ (63. Berlinale Generation) Die Regisseurin über ihren Film Etwa 40.000 Flüchtlinge, darunter auch Familien mit Kindern, leben mitunter über zehn Jahre in deutschen Flüchtlingslagern, meist sehr abgeschieden und unter schlechten Lebensbedingungen. Die Kinder dieser Familien sind oft in Deutschland geboren, besitzen jedoch nicht die deutsche, sondern die Staatsangehörigkeit der Eltern. Sie sind lediglich geduldet im eigenen „Heimatland“ und können jederzeit abgeschoben werden. Sie werden in ein Land geboren, das sie eigentlich loswerden möchte. In der Schule „halbtags“ integriert und zu Hause im Lager isoliert, wachsen sie in einem Schwebezustand auf. Ihre Perspektive ist ungewiss. Die einzige Hoffnung ist eine Aufenthaltsgenehmigung – die Erlaubnis das Lager endlich verlassen zu können.

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Filme können Leben retten. Die Paradise Lost-Dokumentar-Trilogie der Filmemacher Joe Berlinger und Bruce Sinofsky trug maßgeblich dazu bei, dass drei junge Männer – unschuldig als Kindsmörder zum Tode verurteilt – heute in Freiheit leben können. Paradise Lost 3: Purgatory ist der dritte Teil dieser mitreißenden Chronik eines Justizskandals und er ist Ausdruck des großen Engagements der Filmemacher, die dafür mit einer Oscar-Nominierung belohnt wurden. Ihre Dokumentation Paradies Lost – Die Kindermorde in Robin Hills aus dem Jahr 1996 weckte ernsthafte Zweifel an der Schuld der drei Verurteilten. Trotz des Films, der international für Aufsehen sorgte, blieben die drei weiter in Haft und von der Todesstrafe bedroht. Doch die Filmemacher blieben dran: 2000 folgt Paradies Lost 2: Revelations, der den fehlerhaften Berufungsprozess seziert. Mit Paradise Lost 3: Purgatory kehren sie 2011 noch einmal nach Arkansas zurück und es gelingt, was zuvor für unmöglich gehalten worden war: Alle drei Beschuldigten kommen frei. Paradise Lost 3: Purgatory ist das Porträt dreier jugendlicher Außenseiter in einem extrem konservativen Staat, die als Sündenböcke herhalten müssen. Besonders beeindruckend: Die Filmemacher lassen ihre Protagonisten nie im Stich, suchen Beweise, starten Kampagnen und filmen immer weiter! Entstanden ist dabei ein Justizthriller erster Güte – kaum mag man glauben, dass es sich um einen Dokumentarfilm handelt.

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Auf ein differenziertes Bild des Nahost-Konflikts haben die jungen Israelis wirklich keinen Bock, die gegen Ende ihres Militärdienstes die Gelegenheit erhalten, verpasste Schulabschlüsse nachzuholen. Drei Wochen am Stück steht Staatsbürgerkunde auf dem Programm. Nüchtern beobachtet die Kamera die hitzigen Debatten, in denen erschreckend unversöhnliche Ansichten zutage treten. In Uniform und das Gewehr stets in Reichweite wird über Pluralismus, Diskriminierung, Menschenrechte, das komplexe Selbstverständnis des jüdischen Staates und den israelisch-palästinensischen Konflikt diskutiert. An die Möglichkeit einer friedlichen Koexistenz glaubt hier im Unterschied zum liberalen Lehrer niemand. Araber sind ausnahmslos Terroristen, denen keinerlei Rechte zugestanden werden. Wer widerspricht, wird als ‚Leftist‘ beschimpft. Ohne Frage sind die Haltungen der jungen Soldaten von den Erfahrungen und Diskursen in der Armee geprägt, die ihre Positionen verhärtet und jegliches Differenzierungsvermögen zum Verschwinden gebracht haben. Bedenkt man jedoch, dass in Israel fast alle die Institution Militär durchlaufen, wird das Klassenzimmer zum Mikrokosmos der Mehrheitsgesellschaft. (Berlinale 2012, Forum)

Die Regisseurin über ihren Film

„Der Film beschreibt ja die Phase des Übergangs vom Soldaten zum Bürger. Kann man ausschließlich Bürger sein, wenn man einmal Soldat war? Kann man in Israel überhaupt nur Bürger sein? Darum geht es in der Staatsbürgerkunde. Die israelische Doppelidentität – ein jüdischer und ein demokratischer Staat zu sein – steht bereits in der Unabhängigkeitserklärung und ist für manche ein unmöglicher Gegensatz. Und genau das wird im Unterricht auch behandelt: Die Strömung, die einen ausschließlich jüdischen Staat will, wo die Gesetze der Torah auf den Staat angewandt werden. Auf der anderen Seite die Strömung, die einen ausschließlich demokratischen Staat anstrebt, wo alle Bürger gleich sind und die jüdische Identität keine besondere Rolle spielt. Im Februar nach den Wahlen werden wir mehr wissen.“ (Interviewauszug: orf.at)